Desde los carteles de la Belle Époque hasta el arte de acción más radical, 2025 trajo exposiciones que rompieron límites y abrieron nuevos diálogos.
Si 2025 demostró algo, es que el centro de gravedad del mundo del arte se está desplazando. Sí, París ofreció macroexposiciones, David Hockney dejó a algunos críticos al borde de las lágrimas en la Fondation Louis Vuitton, mientras que el Musée d'Orsay nos recordó por qué los carteles de la Belle Époque siguen importando.
Pero algunos de los momentos más estimulantes del año se vivieron lejos de las capitales artísticas tradicionales, Asia Central irrumpió con instituciones y citas decisivas, y Chipre estrenó su primera feria internacional de arte. De la teatralidad sin miedo de Leigh Bowery en Tate Modern a las confesiones descarnadas de Tracey Emin en Florencia, fueron exposiciones que exigían atención, no solo por lo que mostraban, sino por cómo replanteaban la conversación sobre el lugar del arte en el mundo.
El arte está en la calle en el Musée d'Orsay
La inmersión del Musée d'Orsay en la cultura del cartel de la Belle Époque se sintió sorprendentemente urgente para una muestra sobre la publicidad del siglo XIX. Reunió casi 230 obras de Toulouse-Lautrec, Mucha, Chéret y los Nabis, y trazó cómo el cartel ilustrado transformó París en un gran escaparate visual. Lo que la hizo resonar fue su atención a la calle como galería y campo de batalla a la vez, aquellas columnas Morris y los hombres anuncio no eran simples notas a pie de página históricas con encanto, eran las redes sociales de su tiempo. La muestra presentó el cartel como una democratización radical, "arte para todos" antes de que nadie hablara con hashtags de accesibilidad. Organizada con la Bibliothèque nationale de France, fue la primera exposición de esta envergadura dedicada a los 'Maestros del cartel', y defendió con convicción que el arte comercial merece tomarse en serio.
Bienal de Bujará
La escena de arte contemporáneo de Asia Central se presentó con verdadera ambición cuando la inaugural Bienal de Bujará transformó las madrasas y los caravanserais de la ciudad uzbeka en espacios expositivos. Comisariada por Diana Campbell y titulada 'Recipes for Broken Hearts', la cita de diez semanas emparejó a más de 70 artistas internacionales con artesanos uzbekos locales, y exigió la misma visibilidad para ambos. El concepto, arraigado en el mito de Ibn Sina inventando el plov para curar a un príncipe desdichado de amor, cuestionaba con acierto quién recibe el mérito en las prácticas colaborativas. En lugar de tratar la arquitectura de Bujará, reconocida por la Unesco, como simple decorado, la bienal implicó a residentes y visitantes en conversaciones sobre patrimonio e identidad contemporánea. Con Antony Gormley y Slavs and Tatars junto a creadores locales, y un diálogo genuino en lugar de gestos de compromiso, ofreció un modelo renovador para las bienales internacionales en una época de fatiga de eventos.
¡Leigh Bowery! en Tate Modern
La celebración de Leigh Bowery en Tate Modern llegaba como un reconocimiento tardío a un artista que rechazó las etiquetas. La muestra se desplegó por la performance, la cultura de club, la moda y el arte corporal, porque Bowery nunca vio fronteras entre ellos. Esos "Looks" icónicos, 'disfraces' se quedaría corto, se presentaron junto a colaboraciones con figuras que van de Lucian Freud a Michael Clark, y mostraron cómo Bowery reimaginó la ropa como escultura y su cuerpo como un instrumento capaz de mutar. El resultado fue a la vez un retrato de la vida nocturna del Londres de los años ochenta y noventa y una reflexión de calado sobre cómo su valentía ante el género, la sexualidad y la estética sigue resonando. La exposición no endulzó sus provocaciones ni sus excesos, celebró más bien cómo desafió las normas del decoro mientras creaba una cultura visual verdaderamente pionera.
VIMA Art Fair
Chipre tuvo su momento en la escena global con VIMA, la primera feria internacional de arte contemporáneo de la isla. Celebrada en una antigua bodega reconvertida de Limasol con vistas al mar, se sintió refrescantemente íntima frente al agotador circuito Basilea-Miami-París. 27 galerías de Chipre, Grecia, Líbano, los Emiratos Árabes Unidos, Nigeria, el Reino Unido y más allá defendieron a Chipre como un cruce esencial entre Europa, Oriente Próximo y África. La nómina impresionó, The Breeder de Atenas, Tiwani Contemporary, The Third Line de Dubái, pero lo importante fue el diálogo real que VIMA fomentó entre ecosistemas regionales. El gran proyecto del comisario Ludovic Delalande, "The Posterity of the Sun", aportó el anclaje conceptual, y las charlas y actuaciones mantuvieron la energía alta. Para un debut, estuvo muy por encima de lo que cabía esperar.
David Hockney, 25 en la Fondation Louis Vuitton
Anunciada como centrada en los últimos 25 años, esta inmensa exposición miraba con picardía hasta 1955 y se abría con el retrato, realizado por un Hockney de 18 años, de su padre contable. Más de 400 obras ocuparon el edificio de la Fondation Louis Vuitton de Frank Gehry (el arquitecto tuvo su propio retrato en la muestra), con pinturas, trabajos digitales en iPhone y iPad e instalaciones de vídeo inmersivas. Lo que podría haberse sentido autoindulgente demostró, en cambio, a un artista que sigue experimentando y sigue siendo curioso. Los préstamos internacionales fueron deslumbrantes, instituciones de Oslo a Melbourne, y se notó la implicación personal de Hockney en cada detalle. Fue la mayor exposición del artista hasta la fecha y algo más que especial, un crítico llegó a decir que se emocionó hasta las lágrimas.
Apertura del Museo de Artes de Almaty
Junto a la Bienal de Bujará, septiembre trajo otro hito para el arte contemporáneo de Asia Central con la apertura del Museo de Artes de Almaty. Financiado por el empresario Nurlan Smagulov y diseñado por Chapman Taylor con rasgos arquitectónicos que evocan las montañas del Tian Shan, ALMA se convirtió en el primer museo privado de arte moderno y contemporáneo de la región. La exposición inaugural reunió una colección de 700 obras kazajas y centroasiáticas con una retrospectiva individual de Almagul Menlibayeva, cuya exploración del mito, la memoria y la geografía marcó el tono. Encargos al aire libre de Yinka Shonibare y Jaume Plensa, y 'Artist Rooms' con Richard Serra y Yayoi Kusama, evidenciaron una ambición que va más allá de lo regional. La directora artística, Meruyert Kaliyeva, lo planteó como un lugar de encuentro entre generaciones, desde quienes se arriesgaron a la persecución bajo el dominio soviético hasta quienes trabajan hoy.
Encuentros, Giacometti en el Barbican
La serie del Barbican, a lo largo de un año, que empareja a Alberto Giacometti con escultores contemporáneos se sintió genuinamente fértil y no un reclamo. Organizada con la Fondation Giacometti, se inauguró con Huma Bhabha, continuó con Mona Hatoum (con Lynda Benglis aún por venir en 2026) y creó diálogos intergeneracionales en torno a la muerte, la fragmentación, la memoria y el trauma. Las figuras alargadas de posguerra de Giacometti, su respuesta a la devastación de la Segunda Guerra Mundial y su meditación sobre la forma humana, encontraron verdadera resonancia con artistas contemporáneos que atraviesan sus propios momentos de crisis. El nuevo espacio, íntimo, permitió mirar de cerca en lugar de abrumar con una superproducción.
Tracey Emin, Sex and Solitude en el Palazzo Strozzi
La primera gran exposición institucional de Tracey Emin en Italia llevó su intensidad confesional al Palazzo Strozzi de Florencia. Comisariada por Arturo Galansino, 'Sex and Solitude' presentó más de 60 obras entre pinturas, dibujos, bordados, neones y esculturas. El marco importaba, las exploraciones descarnadas de Emin sobre el cuerpo y el deseo generaron una fricción provocadora con el legado renacentista de Florencia y, al mismo tiempo, la situaron dentro de la rica historia artística de la ciudad. Obras que abordan el amor, la pérdida, la enfermedad y la recuperación se sintieron urgentes, explícitas y a la vez excepcionalmente vulnerables. Aunque el arco temporal de las obras era amplio, Emin insistió en una entrevista previa a la apertura en que no era "una muestra panorámica". "No me gusta hacer panorámicas ni retrospectivas. Me gusta vivir ahora", dijo.
Kiefer / Van Gogh en la Royal Academy
La exposición íntima, en tres salas, de la Royal Academy rastreó cómo Vincent van Gogh ha acompañado a Anselm Kiefer desde hace casi 60 años. Comenzaba con un Kiefer de 18 años que recibió una beca de viaje para seguir el camino de Van Gogh desde los Países Bajos y Bélgica hasta Arlés. Desarrollada con el Museo Van Gogh de Ámsterdam, la muestra emparejó obras de ambos para revelar preocupaciones compartidas por la mitología, la filosofía y el peso de la historia, respetando al mismo tiempo sus enfoques distintos. Las pinturas y esculturas monumentales de Kiefer, informadas por el posimpresionismo pionero de Van Gogh, ganaron un contexto renovado, mientras que las obras finales de 1890 de Van Gogh se percibieron más vivas. Nuevas piezas de Kiefer, exhibidas por primera vez, demostraron que sigue excavando en aquel encuentro inicial. La presentación concentrada permitió seguir la influencia sin exagerar la conexión.
Del corazón a la mano, Dolce & Gabbana en el Grand Palais
La moda tuvo su momento museístico cuando Domenico Dolce y Stefano Gabbana tomaron el Grand Palais de París para celebrar 40 años de visión maximalista. Tras su estreno en Milán, 'Du Coeur à La Main' se desplegó en París por 1.200 metros cuadrados y tres plantas, con 200 piezas de Alta Moda y Alta Sartoria, 300 accesorios hechos a mano y 130 obras distribuidas en 12 impresionantes 'tableaux'. Comisariada por Florence Müller, situó con acierto el oficio de D&G dentro del amplio patrimonio artístico de Italia. La visión en primer plano de su saber hacer, esos asientos de primera fila a los que casi nadie accede, reveló artesanía pura bajo el exceso teatral.